El Arte griego es un
conjunto de manifestaciones artísticas que se
desarrollaron en Grecia y sus
colonias entre los siglos XI y I a.C. Aunque esta cultura tuvo
su origen en la civilización del Egeo, su evolución posterior la convirtió en
uno de los periodos más influyentes de la historia del arte
occidental.
El arte griego se caracterizó por la
representación naturalista de la figura humana, no
sólo en el aspecto formal, sino también en la
manera de expresar el movimiento y
las emociones. El
cuerpo humano,
tanto en las representaciones de dioses como en las de seres
humanos, se convirtió así en el motivo fundamental
del arte griego, asociado a los mitos, la
literatura y la
vida cotidiana.
En el ámbito pictórico no se conocen
grandes ciclos decorativos. Sin embargo, se conservan
importantes piezas de cerámica, junto con las pinturas funerarias
etruscas, nos ofrecen algunas pistas sobre
las características del arte griego. Estos restos
se complementan con relatos extraídos de fuentes
literarias.
Algunos viajeros, como el romano Plinio el Viejo o el
historiador y geógrafo griego Pausanias, vieron in situ
muchos de los objetos artísticos que se conservan hoy
día deteriorados o en mal estado, y sus
relatos ofrecen una valiosa información acerca de algunos artistas y
sus principales obras.
Los artistas griegos empleaban colores al
agua para
pintar grandes murales o decorar vasijas. Los ceramistas
modelaban las piezas en tornos de
alfarero y cuando se secaban las pulían, pintaban y
cocían.
El arte griego se divide normalmente en periodos
artísticos que reflejan sus cambios estilísticos.
Se divide en tres etapas, denominadas respectivamente arcaica,
clásica o ática y helenística o
postalejandrina. Su momento de mayor esplendor puede situarse en
el período clásico, en tiempos del gobernante
Pericles.
De la pintura
griega, que según numerosos textos alcanzó cotas
magníficas de belleza sólo conservamos las copias
deformadas que se encuentran en los mosaicos romanos. Los nombres
de pintores que nos han transmitido la tradición son los
de Polignoto, Patrasio, Zeuxis, Apeles y Demetrio.
También en las pinturas de los vasos de
cerámica (ánforas y cántaros), se puede
percibir un pálido reflejo de lo que fue el arte
pictórico griego.
La función
principal de la pintura monumental hasta aproximadamente el
año 320 a.C., fue de carácter público, ocupándose
de asuntos religiosos y de la conmemoración de los
acontecimientos civiles más importantes, como las
competiciones atléticas. Los ciudadanos sólo
utilizaron las artes plásticas para la decoración
de sus tumbas. Sin embargo, las artes decorativas se dedicaron
sobre todo a la producción de objetos de uso privado. El
ajuar doméstico contenía un gran número de
vasijas de terracota pintadas, con elegantes acabados, y las
familias más ricas eran propietarias de vasijas de bronce
y espejos. Muchos objetos realizados en terracota y bronce
incorporaron pequeñas figurillas y
bajorrelieves.
Durante el periodo arcaico, con la
extensión geográfica y económica de la
civilización griega, el incremento de la riqueza y
los contactos con el exterior propiciaron el desarrollo en la decoración de
vasijas por ejemplo, que fueron importantes objetos de
comercio.Hacia el año 675 a.C. los pintores de
cerámica de Corinto empezaron a decorar las piezas
con siluetas negras de figuras, generalmente animales
desfilando, realizadas con formas redondeadas y dispuestas
en uno o varios pequeños frisos. Es el estilo
denominado protocorintio. En el estilo corintio, que se
desarrolló plenamente hacia el 550 a.C. y del que se
conservan numerosos ejemplos, los vasos están
abarrotados de figuras sobre fondos florales. En las
vasijas se representan a menudo monstruos fabulosos, como
la quimera que escupe fuego, una criatura con cabeza de
león, cuerpo de cabra y cola de dragón. Otros
motivos orientales similares aparecen en las piezas
cerámicas encontradas en Laconia, Beocia, Calcis,
Rodas y Sardes.La decoración de las vasijas
cerámicas con la técnica de las figuras
negras, que llegó de Corinto a Atenas hacia el 625
a.C., se combinó con el antiguo estilo ateniense,
más lineal y de mayor tamaño. La
decoración se realizaba en engobe negro sobre el
color
rojo de la arcilla. Los detalles se grababan por
incisión y a veces se destacaban y se les daba
profundidad con el uso de reflejos de color rojo y
blanco.A partir de este momento, las escenas
representadas en los vasos cerámicos y los artistas
que las pintaron se pueden identificar por ciertas
inscripciones. Unos treinta pintores firmaron con su nombre
las piezas decoradas y otros cien han podido ser
identificados por su estilo característico. A los
artistas más tardíos se les han asignado
nombres modernos según la localización de
alguna de sus obras más importantes, como el pintor
de Berlín; por el tema de alguna de sus pinturas
más representativas, como el pintor del
jabalí; o por el nombre del ceramista para el que
trabajaron, como el pintor de Amasis. Entre las obras
maestras de este periodo están el vaso
François, realizado el 560 a.C. por el alfarero
Ergotimos y el pintor Klitias (Museo Arqueológico de
Florencia); la copa de Dioniso, realizada por Exekias
(Gliptoteca de Munich), y los trabajos de dos de los
más destacados artistas en la técnica de las
figuras negras, Lydos y Amasis.Los vasos decorados con la técnica de las
figuras rojas se hicieron por primera vez el año 530
a.C., por iniciativa del ceramista Andocides. La
decoración se realizaba con una técnica
pictórica a la inversa, esdecir, el fondo se pintaba de negro, dejando las
figuras en el color rojo de la arcilla. Los detalles, en
lugar de hacerse por medio de incisiones en la arcilla, se
dibujaban con engobe negro, que a menudo formaba
unrelieve sutil. Se utilizó también un
nuevo color, el castaño dorado, obtenido al diluir
el barniz negro.Los pintores atenienses desarrollaron hacia el 540
a.C. un nuevo estilo cuyo principal ejemplo es una
crátera que representa la lucha de Heracles contra
el gigante Anteo. Además de mostrar un creciente
interés por la anatomía humana, trajeron una nueva
concepción del espacio que se hizo patente en la
utilización del escorzo y en el uso de una capa de
color marrón para crear sombras. Este fue el inicio
de un tipo de pintura en el que la ilusión de
tridimensionalidad se consigue tanto por el sombreado de
las figuras como por el contraste de manchas de
color.Aunque el estilo de las figuras negras
continuó siendo el dominante durante todo el periodo
arcaico, la producción en el estilo de figuras rojas
se fue incrementando poco a poco. Entre los pintores de
vasos más importantes del final del periodo arcaico
destacan Duris, el pintor de Brigos y el pintor de
Berlín.- Etapa Arcaica
El arte griego del periodo clásico, que se
desarrolló desde la época de las Guerras
Médicas hasta el final del reinado de Alejandro
Magno, por una parte se mantuvo totalmente
independiente y por otra ejerció una gran influencia
en otras culturas.De la alta época clásica casi no se
conservan pinturas murales. El pintor más importante
del momento fue Polignoto. En sus frescos de Leskhe de los
Cnidios en Delfos, descritos por el historiador griego
Pausanias, representó la destrucción de Troya
y la visita al Hades. Plinio el Viejo escribió que
Polignoto fue el primer maestro de la expresión. El
descubrimiento en 1968 de un sarcófago griego
pintado al fresco en Paestum (c. 470 a.C., Museo
Arqueológico de Paestum) muestra
los logros de la pintura mural de la alta época
clásica. Las figuras de los asistentes a un banquete
y la representación de un nadador muestran el
dominio de
la anatomía, del trazo y de las expresiones
faciales. Los ojos están dibujados de perfil en
lugar de frontales y también aparecen escenas
paisajísticas.En la pintura de vasijas las escenas de
carácter simbólico y decorativo fueron
remplazadas de forma gradual por representaciones
tridimensionales, como en las obras de Pistoxenus y
Penthesilea. Las formas son más nítidas, los
ojos se representan de perfil y los pliegues de las telas
adquieren formas más naturalistas. Estas
características, especialmente en las vasijas del
pintor de los Niobides, sugieren la influencia de Polignoto
y ofrecen más información de su estilo
artístico.Aunque dibujadas con una perspectiva lineal
rudimentaria, las figuras de las vasijas del periodo
clásico medio poseen un cierto efecto
tridimensional.Todos los murales griegos del siglo IV a.C.,
incluyendo los del gran Apeles, han desaparecido. Sin
embargo, su influencia puede observarse en los trampantojos
y en los paisajes arquitectónicos pintados sobre los
muros de las casas romanas de Pompeya y Herculano en el
siglo I d.C.Las vasijas de Centuripa (Sicilia) son más
complicadas y sus escenas están decoradas con
figuras pintadas que recuerdan la técnica actual del
pastel. Los cuerpos de estas piezas están adornados
con motivos florales y tridimensionales. - Etapa Clásica o
Atica - Etapa Helenística o Post-
Alejandrina
Los griegos fueron receptivos a la influencia de ciertos
elementos orientales, como la suntuosidad decorativa y las
religiones
exóticas. En las ciudades más prósperas de
Asia Menor,
así como en Alejandría (Egipto), se
desarrolló un nuevo helenismo,
mezcla del espíritu griego y de los estilos
orientales.
Las escenas y motivos representados en los mosaicos son
también probablemente el eco de pinturas monumentales
realizadas con otras técnicas
que no han llegado hasta nosotros.
El Arte romano es un conjunto de manifestaciones
artísticas desarrolladas en la antigua Roma y su
Imperio, que en su periodo de máximo apogeo se
extendió desde las islas Británicas hasta el
mar Caspio. Se considera que el final del arte romano, y por
consiguiente el inicio del arte medieval, llegó con la
conversión del emperador Constantino I el Grande al
cristianismo y con el traslado de la capital
del Imperio desde Roma a Constantinopla en el año 330.
Sin embargo, el estilo romano e incluso sus temáticas
paganas continuaron representándose durante siglos, a
menudo bajo la impronta cristiana.La originalidad del arte romano es muy discutida. Se
les concede a los romanos una sensibilidad artística
menos rica que a los griegos. Desde un punto de vista
estético se puede decir que los romanos asimilaron el
estilo griego-helenístico y lo adoptaron a sus propias
necesidades.Los artistas romanos conseguían crear la
ilusión de realidad, utilizando la técnica
conocida como perspectiva aérea, mediante la que se
representan de forma más borrosa los colores y
contornos de los objetos más distantes para conseguir
efectos espaciales.A juzgar por los testimonios literarios, la pintura
romana alcanzó una gran importancia y parece que hasta
hubo escuelas que se especializaron en temas
históricos, paisajísticos y bodegones; pero, al
igual que sucedió en Grecia, se han perdido casi todas
las muestras. No obstante, podemos hacernos la idea de su
magnificencia con los restos encontrados en algunas casas de
Pompeya (como la casa Vetti).Las mejores composiciones son las de una casa de
Pompeya que representan la iniciación a los misterios
dionisíacos y las de una casa romana que representan
una ceremonia nupcial (éstas se conocen como Bodas
Aldobrandini).Hay que resaltar que la decoración de los
edificios romanos, se realiza principalmente con elementos
pictóricos: pintura mural, en cuya
temática se percibe una clara evolución de los
temas que imitan a la arquitectura,
los temas mitológicos o simplemente ornamentales, y
con mosaicos, de temas históricos como los de
la casa Fauno de Pompeya, en donde se representa la lucha de
Alejandro Magno contra los persas, y también de temas
mitológicos y circenses, como los que, se encuentran
en las principales ciudades hispano-romanas.Los romanos decoraban sus villas con suelos de
mosaicos y exquisitos frescos representando rituales, mitos,
paisajes, naturalezas muertas o bodegones, y escenas
cotidianas.Arte
RomanoEl arte de la edad media
—que se desarrolló fuera del Imperio
bizantino y dentro de lo que eran las fronteras del norte
del mundo romano— puede clasificarse según sus
rasgos estilísticos distintivos. El arte celta, que
floreció entre los siglos V y IX en los monasterios de
diferentes zonas de las islas Británicas, se basaba
sobre todo en intrincados dibujos
caligráficos. Se realizaron manuscritos miniados muy
decorados, como los Evangelios de Lindisfarne (c. 698-721,
Museo Británico, Londres), con elaborados motivos
lineales, planos, en los que se combinan elementos celtas y
germánicos.- Arte Románico
La denominación "arte
románico"engloba la producción
artística del Occidente europeo durante los siglos XI
y XII, inmediatamente a continuación del desarrollo
del arte prerrománico de los países invadidos
por los pueblos bárbaros.En el periodo románico, los manuscritos del
norte de Europa no
denotaban ningún estilo concreto;
algunas iluminaciones eran de inspiración
clásica, mientras que otras señalaban un nuevo
estilo de dibujo,
enérgico y muy acusadoFrancia La
pintura románica francesa (de funcionalidad
estrictamente decorativa) se distinguen normalmente dos
escuelas:1.- La de la abadía benedictina de San Savin
emplea tonos finos, apagados, suaves, con predominio de
colores claros: verde, gris, amarillo, rojo y
pálido.2.- La de la iglesia de
Berzé-la-Ville ofrece pinturas sobre fondo azul oscuro
y mayor riqueza cromática.Se ha dicho, sin embargo, que la auténtica
pintura del románico francés se halla en los
vitrales, realizados en fragmentos de vidrio de
diferente color ensamblados con plomo fundido, que aumentan
la nitidez de los contornos y da una gran luminosidad y
transparencia a las figuras. El vitral más famoso es
el de los Reyes Magos en Saint-Denis, del siglo
XII.España
Cataluña es un país riquísimo
en pinturas románicas. Los frescos son de colores
brillantes y vivísimos; los frontales de madera
pintados al estuco están concebidos como si fuesen
esmaltes.Otras muestras del estilo pictórico del
románico catalán se encuentran en los bordados
y en las miniatura.Italia
El románico italiano se
encuentra en cierto modo comprendido entre la
prolongación de la influencia bizantina y la
aparición de determinados elementos prerrenacentistas.
Las obras maestras de este período son los frescos de
la basílica de Sant’ Angelo in Formia y
las pinturas de la cripta de la Catedral de
Agnani.Se pueden destacar también las escuelas de
miniatura que se desarrollaron en Roma y en Montecassino, en
cuyos decorados geométricos y zoomórficos es
perceptible la influencia celta e irlandesa.Resto de Europa
Se puede decir que en cuanto al arte
pictórico florecieron varias escuelas (Colonia,
Westfalia y Sajonia); pero lo más típicamenten
románico son las miniaturas, que en Alemania
se caracterizan por su naturalismo y en Inglaterra
por su colorido y su esquematismo de tradición
celta.5.2 Arte Gótico
El nombre de "gótico"se refiere para designar
al arte de la Edad Media, o sea el arte comprendido entre la
Antigüedad grecorromana y el
Renacimiento. Este movimiento artístico fue
predominante en la esta época que data alrededor de
1150.Entre las muchas características que definen
la pintura de este periodo se encuentra la exquisita atención a los detalles, que denota una
perspicaz observación de los seres humanos y de
la naturaleza
por parte del pintor. Las pinturas góticas son
caracterizadas por las figuras alargadas que son sumamente
decoradas. Hay a menudo poco intento de representar el
espacio tridimensional y la perspectiva que ha sido empleada
es por lo general aleatoria y poco convincente.En el periodo gótico que siguió se
introdujo un gran repertorio de medios
técnicos, y la pintura dejó de ser exclusiva de
los monasterios.En el final del decimocuarto siglo había un
movimiento hacia la elegancia mayor y el refinamiento, y un
interés de incremento a temas naturales. Las pinturas
minuciosamente detalladas de plantas y
animales se hicieron un rasgo común en estas pinturas.Como este estilo posterior no ha sido limitado a un
país, a menudo lo llaman Internacional
Gótico.Entre los diversos estilos de pintura gótica
destacan cuatro de mayor importancia: el
franco-gótico, el sienés, el flamenco y una
mezcla de los tres conocida como el estilo
internacional.En Francia,
durante el siglo XIII, la pintura gótica es
fundamentalmente pintura de vidrieras y de manuscritos en los
que las miniaturas se disponen por todo el texto
divididas por elementos decorativos inspirados en temas
arquitectónicos (por ejemplo, las diversas Biblias de
la Universidad de París). Durante el siglo
XIV destaca la escuela de
Borgoña, que por su realismo
puede considerarse como un antecedente de la escuela
flamenca.La pintura gótica italiana se desarrolla
durante los siglos XIII (Duecento) y XIV
(Trecento).Durante el período gótico, los
Países Bajos asisten al florecimiento de una
importantísima escuela de pintura conocida como la de
los primitivos flamencos.En el siglo XV, los pintores flamencos realizan una
serie de obras maestras caracterizadas por una gran agudeza
en la captación de la realidad y por la
precisión en los detalles.En España, el estilo francogótico,
se desarrolla desde mediados del siglo XIII y comprende
miniaturas, retablos y pinturas murales.El estilo italogótico se desarrolló
preferentemente en tierras catalanoaragonesas.Los máximos exponentes de este estilo son:
Duccio, Simone Martín, Van Der Weyden, y
más.Medioevo
Simultáneamente a la revolución operada en el mundo de las
letras y en el de las ideas, a principios
del siglo XV surgió en Italia un
movimiento artístico conocido por la Rinascita,
que alcanzaría un impulso extraordinario. Durante el
mismo, se produce un fuerte proceso de
liberación de la individualidad del
artista.Siguiendo los modelos de
la Antigüedad clásica greco-romana y gracias a la
búsqueda de las bases científicas del arte,
surge en Florencia el primer Renacimiento, correspondiente al siglo XV o
Quattrocento.Durante la segunda fase del Renacimiento o
Cinquecento (siglo XVI), la hegemonía cultural
pasó de Florencia a Roma, donde los papas, con su
labor de mecenas culturales, fueron auténticos
impulsores del arte.Los artistas generalmente mostraban en sus pinturas
el cielo y santos, y llevaron poca relación a lo que
se encontraba con la tierra.
Sin embargo, el hombre
comenzó a realizar (comprender) su importancia y
efecto sobre el mundo. Las figuras se hicieron más
realistas, el espacio se hizo más verdadero y la
historia cristiana comenzó a ser vista de un punto de
vista humano.Como las décadas siguieron los artistas
fueron capaces de recrear el mundo sobre paneles, frescos y
retablos con la facilidad creciente. Comenzando con los
trabajos estilizados de Giotto y Masaccio, el renacimiento
culminó en creaciones monumentales de Leonardo,
Rafael, y Miguel Angel.Con las guerras que sufrió Italia en esta
época, muchos artistas italianos emigraron y su exilio
sirvió para propagar el estilo renacentistas por toda
la geografía de Europa
occidental.El desarrollo de los principios de la perspectiva
lineal, llevado a cabo por varios arquitectos y escultores a
principios del siglo XV, permitió a los pintores
conseguir, por medio de la representación
bidimensional, la ilusión del espacio tridimensional.
Muchos de los artistas del primer renacimiento —como
Paolo Uccello, Piero della Francesca y Andrea Mantegna—
se valieron del empleo
dramático de la perspectiva y del escorzo en su dibujo
para producir la ilusión de la prolongación de
un objeto o figura en el espacio. Mientras artistas italianos
renacentistas pusieron el énfasis sobre la perspectiva
y la ilusión de espacio, artistas alemanes y flandeses
estuvieron más interesados en pintura detallada,
parecida a una joya del mundo alrededor de ellos.La exploración de la anatomía condujo
a un mayor entendimiento de la representación de la
forma humana. También se empezaba a utilizar la
pintura al óleo, desafiando a la antigua
supremacía del temple y del fresco. Los pintores que
explotaban el potencial de la nueva técnica trabajaban
superponiendo estratos de veladuras de óleo
transparentes y los lienzos sustituyeron a las antiguas
tablas. Algo más tarde, otros artistas, sobre todo los
que trabajaban en Venecia —especialmente Domenico
Veneziano, Giovanni Bellini y Giorgione— destacaron por
los tonos cálidos de sus óleos.En este período podemos nombrar a artistas
como: Masaccio, Botticelli, Leonardo da
Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Correggio, Tiziano,
El Veronés, entre otros.Renacimiento
Un desarrollo del estilo renacentista. Generalmente
se ve al manierismo como una reacción contra la
armonía, la orden y la perfección de los siglos
XV y XVI. El estilo era frecuente en Italia entre 1520 y
1600.El manierismo se caracterizó por su estilo
sofisticado, artificioso y muy intelectual.El término proviene en el empleo de la
palabra "maniera", queriendo decir "la elegancia" y
significando la gracia, el equilibrio
y la armonía. La palabra ha desarrollado una variedad
de significados; sin embargo, esto generalmente es asociado
con el arte y los artistas quien abiertamente demostraron la
habilidad excesiva, el virtuosismo, y el capricho.El manierismo estuvo caracterizado por un empleo de
colores brillantes, casi chillones, composiciones
complicadas, exageración en las formas y el movimiento
dramático. Se confería más importancia a
la complejidad y a la distorsión que a la
armonía de las líneas, al color o a la
composición; en el manierismo, hasta las pinturas
religiosas resultaban inquietantes para el
espectador.Entre los pintores de este estilo destacan Pontormo,
Rosso Fiorentino, Parmigianino, Tintoretto y Bronzino. El
más conocido de los manieristas tardíos es El
Greco.Manierismo
El estilo barroco
floreció en Roma. Tradicionalmente se le denomina
así a este período que transcurre desde 1600 a
1750. La especial actitud
estilística que caracteriza al arte
barroco alcanzó un momento de madurez en Italia
hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años
siguientes. A partir de este momento se difundió por
todas las naciones de Europa, adquiriendo particular
importancia en España y en las ciudades
hispanoamericanas.En nombre viene de Italia, de la palabra "barocco",
la cual significa bizarro o estrafalario.El arte barroco es generalmente tipificado por su
exhuberancia dramática y su emotiva atracción
hacia el observador. El arte barroco también se
caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con
el estilo clásico, relativamente estático, del
renacimiento. Esta tendencia se distingue por las
líneas compositivas diagonales, que proporcionan el
sentido del movimiento, y por el empleo de un marcado
claroscuroEn la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia
espectacular hacia lo decorativo, un abandono de las reglas
de la estética clásica, una
búsqueda de originalidad a toda costa, un predominio
de la fantasía sobre la fiel representación de
la realidad, una exploración minuciosa de la psicología humana
y un gusto desmesurado por la ampulosidad.El arte barroco jugó un papel importante en
los conflictos
religiosos de este período. Frente a la tendencia
protestante a construir edificios para el culto de manera
sobria y sin decoración. En este sentido se puede
afirmar que el Barroco es la expresión de la
Contrarreforma.Durante el siglo XVIII, Venecia vuelve a situarse en
primer plano como centro artístico.No todo el arte de este período fue tan
exuberante, sin embargo el dramatismo sombrío de
algunos artistas igualmente fue llamado Barroco.En este período se puede nombrar a: Rubens,
Van Dyke, Rembrandt, Velásquez, Murillo,
etc.Barroco
A mediados del siglo XVIII, el estilo
neoclásico destruyó las extravagantes formas a
las que había llegado el Rococó, restaurando la
sencillez de las formas antiguas.Sus objetivos
eran la vuelta a valores
Clásicos y al renacimiento de los estilos elegantes
del arte de la Antigua Griega y Romana.Este resurgimiento clásico en las artes se
debió a diferentes acontecimientos. En primer lugar, a
mediados del siglo XVIII, se iniciaron muchas excavaciones
arqueológicas en Italia y en Grecia, y se publicaron
libros con
dibujos de antiguas construcciones que los arquitectos
ingleses y franceses copiaron con avidez. En segundo lugar,
en 1755, el historiador del arte alemán Johann Joachim
Winckelmann publicó su ensayo
Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Werke in
der Malerei und Bildhauerkunst (Reflexiones sobre la
imitación de las obras griegas en la pintura y la
escultura), ensalzando la escultura griega. Esta obra, que
ejerció gran influencia sobre los artistasLos teóricos del arte de este período
definieron las nuevas tendencias neoclásicas afirmando
que la belleza ideal no existe en la naturaleza, sino que
corresponde al hombre
crearla con la fuerza de
su espíritu artístico.Este estilo se caracterizó por una
preferencia en las líneas y la simetría, y por
su préstamo frecuente de fuentes Antiguas.Los máximos exponentes de la pintura
neoclásica son franceses, pues en esta época
París vuelve a ser el principal centro creador de
novedades artísticas.En el neoclasicismo se distinguen a: Goya, Vicente
López,Neoclasicismo
Un movimiento en las artes que prosperaron en Europa
del norte y EE. UU durante la etapa tardía del siglo
XVIII y los inicios del siglo XIX.El romanticismo
es tan variado en sus manifestaciones que una
definición sola es casi imposible.Frente al racionalismo del siglo de las Luces, el
Romanticismo preconiza un culto a los sentimientos, una
adoración de la sensibilidad o, aún mejor, de
la sensualidad. Los románticos conciben el objeto
artístico como la expresión inmediata del
sentimiento, como la autorrealización
espontánea de la individualidad del
artista.Estos dieron vuelta a las disciplinas intelectuales y colocaron la importancia sobre
la imaginación y la expresión
individual.El movimiento romántico introdujo el gusto
por lo medieval y lo misterioso, así como el amor
por lo pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se
dió rienda suelta a la imaginación individual y
a la expresión de la emoción y del estado de
ánimo, desbancando al enfoque intelectual razonado de
los neoclasicistas. En general, los pintores
románticos preferían las técnicas
coloristas y pictoricistas al estilo neoclásico,
lineal y frío.El iniciador de la pintura romántica francesa
fue Théodore gericault, y el máximo exponente
de la pintura romántica es Eugéne
Delacroix.El movimiento parecía que estaba oficialmente
muerto por las tendencias del siglo XIX, pero el romanticismo
ha sobrevivido en el siglo XX en tensiones artísticas
como el expresionismo y el
neo–expresionismo.
RomanticismoEl realismo supone el intento por describir el
comportamiento
humano y su entorno, o por representar figuras y objetos
tal y como actúan o aparecen en la vida cotidiana.
Esta tendencia ha existido periódicamente a
través de la historia en todas las artes; sin embargo,
el término se restringe habitualmente al movimiento
que comenzó a mediados del siglo XIX como
reacción frente al romanticismo.Por lo tanto podemos definir al realismo como un
movimiento que surge como oposición al idealismo
de clásicos y románticos y propone buscar el
reflejo de la realidad objetiva y la descripción de la naturaleza y de la
vida cotidianas.Aunque nunca se desarrolló una escuela
realista como tal, el concepto
sí se ha manifestado de diferentes maneras y en
distintas ocasiones. El término realista, utilizado
para describir una obra de arte, a menudo, significa
simplemente objetos y figuras feas en oposición a
aquellas que se consideran bellas. Con frecuencia se usa para
describir escenas humildes de la vida. Este término
implica una labor de crítica a las condiciones sociales, sin
rehuir en ningún momento lo desagradable. Algunos de
los trabajos de artistas franceses como Gustave Courbet (por
ejemplo, Los picapedreros, 1850), Honoré Daumier y
Jean-François Millet han sido catalogados como
realistas sociales.El máximo representante del Realismo
francés es Gustave Courbet.
RealismoEl naturalismo va a ser una de las respuestas
más inmediatas y concretas a las nuevas
necesidades.Dentro de los parámetros marcados por la
Iglesia, Caravaggio, uno de los primeros artistas con leyenda
negra, establece unos rasgos estilísticos que causaron
furor en la Europa contrarreformista del siglo
XVII.La pintura de esta Escuela trabaja por norma general
en óleo sobre lienzo. Son cuadros de gran formato, con
pocas figuras de tamaño casi natural, a veces incluso
mayor. Si pensamos que estos lienzos se colgaban a una altura
media de metro y medio o dos metros sobre el suelo, el
visitante que penetra en la oscuridad de una iglesia quedaba
prontamente captado por la imagen enorme
que ofrecía el lienzo. La escasez de
figuras y espacio implicaba una escena sencilla, con pocos
personajes y una acción a lo sumo. El momento escogido
tenía que ser, por lo tanto, relevante dentro de la
historia bíblica que se narraba.El hecho de que se denomine Naturalismo se debe a
que para acercar la imagen al espectador se practica un arte
no idealizado, que no oculta los defectos de los personajes,
que escoge a éstos de entre los habitantes de la
ciudad, con rostros curtidos, arrugados…El adjetivo "tenebrista" se debe al manejo virtuoso
del claroscuro, técnica que ya se conocía pero
que se usaba con gran mesura. Consiste en acentuar los
contrastes entre zonas iluminadas y zonas en sombra.
Así, hay fondos neutros que se pierden en la
oscuridad, donde no se intuye ningún espacio,
ningún personaje más. Y en contraste, se
realzan violentamente rostros, manos, telas, con focos de
luz laterales
y diagonales, que inciden sobre las superficies aplanando su
volumen y
creando un ritmo interno de la composición basada en
el juego
lumínico. Este juego produce un efecto espectacular y
fue una de las claves del éxito de dicha Escuela. Los temas, como
ya se ha mencionado, son mayoritariamente religiosos, eluden
normalmente el paisaje y renuevan el concepto de
bodegón.En Roma, Caravaggio y Artemisia Gentilleschi
destacan por su maestría, también el padre de
Artemisia, Orazio, y como futuros tránsfugas, Guido
Reni y el Guercino: ambos se inician en una versión
suavizada del tenebrismo y terminan por pasar a las filas de
los Carracci, para practicar un idealismo más acorde
con la evolución del gusto cortesano. La incidencia
del caravaggismo fue internacional. Las escuelas más
afortunadas en su adaptación fueron la del Barroco
sevillano, los caravaggistas franceses y los de Utrecht,
aunque el estilo en general impregnó toda la
producción del XVII y posterior, y aunque los pintores
no se incluyeran dentro de una Escuela concreta tenebrista:
son los casos de Rembrandt o Lievens.
NaturalismoEl fenómeno artístico más
significativo de la segunda mitad del siglo XIX (1860) es el
surgimiento en Francia del movimiento pictórico del
Impresionismo, que afirmó su
espontaneidad creadora frente a todas las reglas
académicas y buscó el valor de
sus pinturas en la percepción inmediata de los colores. Es
decir: apareció como reacción contra el arte
académico.El movimiento impresionista se considera el punto de
partida del arte contemporáneo.El impresionismo en pintura partió del
desacuerdo con los temas clásicos y con las
encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas
por la Academia Francesa de Bellas
Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y
patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón
parisino. Los impresionistas, en cambio,
escogieron la pintura al aire libre y
los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo
fue conseguir una representación del mundo
espontánea y directa, y para ello se centraron en los
efectos que produce la luz natural sobre los
objetos.Los pintores impresionistas celebraron la
visión aplastante de naturaleza vista en el esplendor
de luz natural – el alba, la
luz del día o el crepúsculo. Estos pintores
estuvieron fascinados por la relación entre la luz y
el color. Fueron muy radicales en su opción de
materia,
evitando temas tradicionales históricos, religiosos o
románticos para concentrarse en paisajes y las escenas
de vida diaria.Los impresionistas se preocuparon más por
captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la
exacta representación de sus formas, debido a que la
luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de
los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los
pintores académicos definían las formas
mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el
marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron
los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las
formas, empleando para ello los colores primarios
—cyan, magenta y amarillo— y los complementarios
—naranja, verde y violeta—. Consiguieron ofrecer
una ilusión de realidad aplicando directamente sobre
el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que
mezcladas por la retina del observador desde una distancia
óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste
de un color primario (como el magenta) con su complementario
(verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor
brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente
al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.En el siglo XVII Jan Vermeer había utilizado
fuertes contrastes de luces y sombras para bañar sus
lienzos de luz natural. Diego Velázquez en el mismo
siglo y Francisco de Goya a finales del siglo XVIII captaron
la impresión lumínica mediante la
eliminación de sombras secundarias y la introducción de zonas de luz en
detrimento de la nitidez de los contornos. Su pincelada
también preludió la de los impresionistas
franceses.Aunque los hallazgos del impresionismo
francés resultaron decisivos para la pintura del siglo
XX, los intentos por plasmar los efectos de la luz natural no
eran nuevos. El impresionismo francés influyó
en artistas de todo el mundo.El nombre del movimiento ha sido inspirado por una
de las pinturas de Claudio Monet.El principal precursor del movimiento impresionista
fue Edouard Manet y las figuras principales del movimiento
fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille
Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.Impresionismo
Post-Impresionismo
El Postimpresionismo, término que engloba los
diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al
impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue
acuñado por el crítico británico Roger Fry
en 1910, con motivo de la exposición
celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul
Gauguin y Vincent van Gogh. Además de estos tres artistas,
también se incluyen en esta corriente Henri de
Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso
del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron
contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron
una visión más subjetiva del mundo.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se
caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor
libertad
formal. Cézanne se interesó por resaltar las
cualidades materiales de
la pintura, representando seres vivos y paisajes,
volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y
rocas (1895-1898,
Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las
formas geométricas y la luz prismática inherente en
la percepción de la naturaleza anticipó los
experimentos
del cubismo.
Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la
representación a base de superficies planas y decorativas,
como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio
de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se
aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su
experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche
estrellada (1889, Museo de Arte Moderno de Nueva York),
preludió el expresionismo. Toulouse-Lautrec estuvo
fuertemente influido por las composiciones lineales de los
grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los
intensos grabados de contorno y los colores planos.
Paul Cézanne (1839 – 1906) representa
la primera reacción importante contra el
Impresionismo al abogar por un más adecuado
tratamiento de la forma y el volumen. Su
consideración de que todas las formas naturales
podrían reducirse a la combinación de
esferas, conos y cilindros, le convierte en un precursor
del cubismo. En sus bodegones, naturalezas muertas,
paisajes y retratos dio muestras de una gran
sabiduría compositiva y de una enorme
autonomía frente a la realidad. Entre sus obras
más conocidas se cuentan: Las bañistas,
Jugadores de cartas,
Jarrón azul, La casa del ahorcado y El muchacho del
chaleco rojo.- Cubismo
- Simbolismo
El simbolismo es un movimiento literario y
artístico que floreció en Francia a fines del siglo
XIX.
Los artistas simbolistas rechazaron el realismo,
creyendo y mostrando en sus pinturas que las ideas y los estados
de mente debían más bien transportar, en vez de
simplemente describir el mundo visible.
Sus estilos variados de la riqueza parecida a una joya
para palidecer la serenidad pero su interés común
estaban en el transporte de
un sentimiento a otro.
os sujetos de un sabor religioso o mitológico
eran populares, y el erotismo, la muerte y el
pecado eran temas comunes.
Paul Gauguin (1848 – 1903), que se había
iniciado en el Impresionismo, creó su propio estilo, hecho
de formas simplificadas, colores planos, y nitidez del dibujo. A
pesar de que su obra recibió los elogios de la
crítica independiente, decidió trasladarse a
Tahití en busca de un país ingenuo que
todavía poseyese el encanto de lo natural. Allí
pintó sus obras maestras: Mujeres en la playa, En el
mercado,
¿De dónde venimos, quiénes somos,
ádonde vamos?
- Expresionismo
El primer renovador del Impresionismo, en un sentido
expresionista, fue el genial Vincent Van Gogh (1853 –
1890), que realizó toda su obra en el corto período
de los cinco últimos años de su vida. Su estilo
definitivo, un impresionismo exaltado y ardiente, una luz
cegadora de intensidad y unos colores purísimos con los
que pretendía expresar toda la gama de las pasiones
humanas, ejercieron una influencia decisiva en el nacimiento de
la pintura contemporánea. En su última etapa
pintó sus obras más tensas, dinámicas,
dislocadas y en definitiva renovadoras (Campo de trigo,
Iglesia de Aubers, El doctor Gachet).
George Seurat fue el creador de la técnica
pictórica conocida como puntillismo, basada en
el hecho de que toda la mezcla de colores disminuye la
luminosidad de sus componentes, aumentando el sentido del
negro. Para evitar este inconveniente, se aplican sobre la
tela colores sin mezcla, en forma de pequeños toques o
puntos, y se deja que la mezcla se realice en la retina del
espectador.Puntillismo
Expresionismo
El Expresionismo es una fuerza artística
concentrada mayormente en Alemania desde 1905 hasta 1930. Fue una
corriente artística que buscaba la expresión de los
sentimientos y las emociones del autor, más que la
representación de la realidad objetiva.
Apareció como reacción frente a los modelos
que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento,
particularmente en las anquilosadas academias de Bellas
Artes.
En el Expresionismo se valoran, ante todo, los
contenidos y las actitudes
emocionales en su forma más completa. La
composición se hace desgarrada y el color, violento,
adquiere tonos simbólicos. El pintor busca producir un
choque emocional en el espectador, despertarle del letargo de la
banalidad. Los pintores expresionistas buscaron desarrollar
formas pictóricas, las cuales podrían expresar sus
más profundos sentimientos mejor que representar al mundo
externo. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan
con el fin de intensificar la
comunicación artística.
Aunque el término expresionismo no se
aplicó a la pintura hasta 1911, sus características
se encuentran en el arte de casi todos los países y
periodos. Parte del arte chino y japonés resalta las
cualidades esenciales del sujeto por encima de su apariencia
física.
Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las
catedrales románicas y góticas para intensificar la
expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante
la distorsión aparece también en el siglo XVI en
las obras de los artistas manieristas, como el pintor español El
Greco y el alemán Matthias Grünewald. Sin embargo,
los auténticos precursores del expresionismo vanguardista
aparecieron a finales del siglo XIX y comienzos del XX, en
especial el pintor holandés Vincent van Gogh, el
francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch, que
utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para
conseguir una expresión más intensa.
La pintura expresionista es intensa, apasionante y
altamente personal, basada
en el concepto de la pintura en el lienzo como un vehículo
de demostración de las emociones. La violencia, el
color irreal y el trabajo
dramático hicieron que la típica pintura
expresionista se estremeciera con la vitalidad. No es
sorprendente que Vincent Van Gogh con su pintura de
frenética técnica y extraordinario uso del color,
fuera la inspiración de muchos pintores
expresionistas.
El Fauvismo fue un movimiento pictórico
francés de escasa duración (entre 1904 y
1908, aproximadamente) que revolucionó el concepto
del color en el arte contemporáneo.El nombre de Fauvismo proviene de una
exposición presentada en París en 1905, a la
que un crítico, despectivamente,
tituló "La cage aux
fauves", es decir "La jaula de las
fieras". El principio esencial de los fauvistas consiste en
la construcción del espacio
pictórico por medio de colores puros aplicados sin
modelados ni claroscuros, de lo que resultan telas cargadas
de sensualidad.Los cuadros de aquella exposición
presentada en París, parecen haber estado pintados
con gran entusiasmo y pasión. El salvajismo
manifiesta por sí mismo principalmente la fuerza de
colores, el trabajo
dinámico de la brocha, y la profundidad expresiva de
sus pinturas, lo que evoca fantasía, un mundo alegre
que realza la emoción y el color.Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos
naturalistas empleada por los impresionistas en favor de
los colores violentos, introducidos por los
postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para
crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una
intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y
al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo
lumínico.Los integrantes del fauvismo fueron: André
Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque,
Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz
y Henri Matisse, su principal exponente.Técnicamente, el uso fauvista del color
derivó de los experimentos realizados por Matisse en
Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde
contactó con los pintores que aplicaban
pequeñas manchas de color puro para conseguir una
imagen óptica más científica
que la de los impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas
de Matisse, mientras siguió estrictamente estas
reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el
lirismo del color.- Fauvismo
- Expresionismo
Alemán
Las manifestaciones más coherentes del
Expresionismo surgieron en Alemania. El primer grupo se
fundó en Dresde en 1904, con los pintores Ernst Ludwig
Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, y se llamó
"Die Brucke" (El puente). Su estética está muy
vinculada con la de la antigua mitología germánica, de sabor
panteísta y naturalista. Otro grupo expresionista se
aglutinó desde 1910 entorno a la revista
berlinesa "Der Sturm" (La tormenta).
A los pintores anteriormente nombrados se les unieron en
1906 Emil Nolde y Max Pechstein, y en 1910 Otto Müller. En
1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich denominado
Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores
alemanes Franz Marc, August Macke y Heinrich Campendonk, el suizo
Paul Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del
expresionismo alemán estuvo marcada por la visión
satírica de la burguesía y el fuerte deseo por
representar las emociones subjetivas. Die Brücke se
disolvió en 1913, un año antes del comienzo de la I
Guerra Mundial
(1914-1918). El grupo de los fauves, así como el pintor
francés Georges Braque y el español Pablo Picasso,
influyeron y posteriormente recibieron la influencia del
expresionismo alemán. La siguiente fase del expresionismo
se llamó Nueva objetividad (Neue Sachlichkeit) y
surgió de la desilusión subsiguiente a la I
Guerra
Mundial. Fundado por Otto Dix y George Grosz, se
caracterizó a la vez por su pesimismo existencial y por
una actitud ante la sociedad
sumamente satírica y cínica. Mientras tanto, el
expresionismo se había convertido en un movimiento
internacional, y la influencia de los alemanes ya se podía
apreciar en los trabajos de artistas foráneos, como el
pintor austriaco Oskar Kokoschka, los franceses Georges Rouault,
Chaïm Soutine, el búlgaro nacionalizado
francés Jules Pascin y el estadounidense Max
Weber.
Uno de los primeros movimientos artísticos
del siglo XX surgió de la revolución cubista,
la mayor revolución pictórica de nuestro siglo.
El Cubismo es un movimiento artístico que se
manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo
principal era el de alejarse de la representación
naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo
sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde
múltiples ángulos.El Cubismo se desarrolló hacia 1907,
alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó
evolucionando durante la década de 1920.El descubrimiento del arte negro, la
exposición retrospectiva de Cézanne en 1907 y
la poesía de Apollinaire y Max Jacob se
convierten en las principales influencias del nuevo estilo.
Las formas que construyen los pintores del cubismo siguen
unos esquemas rígidamente geométricos, muy
propios de la pintura intelectualista. A este respecto, son
muy significativas dos frases de los máximos
representantes de este estilo: Picasso,
"Yo pinto los objetos como los pienso, no
como los veo", y Braque "Los sentidos
deforman, el espíritu forma".Al rechazar la representación realista
seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un
cambio crucial en la historia del
arte, convirtiéndose en el precursor de la
abstracción y de la subjetividad artística. Fue
una revolución contra el sentimentalismo y el realismo
de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba
al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de
formas, características del impresionismo.Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento
y le dan primacía a la línea y la forma. Se
inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de
África y Oceanía.Los cubistas seguían la sentencia del
postimpresionista francés Paul Cézanne, que
afirmaba que "todas las formas de la naturaleza parten de la
esfera, el cono y el cilindro" y está influido por el
afán constructivo y geometrizante de George
Seurat.La expresión más frecuente dentro del
cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del
tema; el artista determina y pinta las formas
geométricas básicas que componen el objeto,
sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que
revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase
de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta
un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver
simultáneamente en realidad, unificados en una
estructura
compositiva.En su primera fase (cubismo
analítico), los pintores cubistas descomponen la
realidad, pintándola desde varias perspectivas
simultáneamente y tratando de encajar las irregulares
formas de la geometría en el espacio. Para evitar
todo efecto naturalista y emocional, el cubismo
utilizó durante su primer periodo (analítico),
una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y
amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes
tonalidades de un mismo color. Después de 1914,
durante el periodo sintético, muchos cubistas
introdujeron colores más brillantes en sus obras. En
su segunda fase (cubismo sintético) y con el
desarrollo paralelo de la técnica fotográfica,
el pintor cubista se siente liberado de su obligación
de representar la naturaleza y puede dedicarse libremente a
la erección de formas
geométricas-abstractas. Si bien es cierto que debe ser
abstracto y geométrico, el arte cubista de hecho
representa objetos reales.En ninguno de los dos cubismos, analítico o
sintético, se pretende reproducir en detalle el
aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas
muertas cubistas destacan los instrumentos y los arlequines
ya que eran fáciles de diseccionar de forma
geométrica.En vez de crear la ilusión del objeto en el
espacio, como lo hicieron desde el Renacimiento, el arte
cubista define los objetos en términos de 2
dimensiones en el lienzo. Esta innovación dio un extraordinario
aumento en la interacción entre forma y espacio,
cambiando el curso del arte de Occidente para
siempre.El iniciador del Cubismo es el español Pablo
Picasso (1881 – 1973). Después de atravesar su
"período azul", caracterizado por la preponderancia de
ese color y por la descripción de seres marginados, y
su "período rosa", en el que su temática es
algo menos trágica y se basa fundamentalmente en la
reproducción de acróbatas y
saltimbanquis, Picasso realiza Les demoiselles d’
Avignon, su primera tela cubista (1906). A esta obra le
siguen La fábrica de Horta de Ebro, Retrato de
Kahnweller, El aficionado y después, sus telas
sintéticas, en las que el artista sigue ya un criterio
claramente geométrico, patente en obras como Ma
Folie, El violín del café, y anuncia su
salida del cubismo con Los tres
músicos.Así pues, el Cubismo no será
más que una etapa en la obra de Picasso; pronto lo
abandonará y recorrerá todas las posibilidades
de la pintura, abriendo nuevos caminos
estéticos.Junto a Picasso, se incorporó a la corriente
cubista el pintor George Braque (1882 – 1963), que
procedía del Fauvismo. Su predilección por las
naturalezas muertas se mantiene a lo largo de toda su
trayectoria, en la que emplea constantemente los tonos puros
y busca dar tactilidad al espacio. Sus primeras obras llegan
a confundirse con las formas picasianas.Además de Pablo Picasso y Georges Braque,
otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes,
Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia,
Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris.
Cubismo
Abstraccionismo
La principal característica del arte abstracto es
el hecho de que prescinde de cualquier vínculo con la
realidad natural objetiva, aunque esta realidad puede ser,
naturalmente, el punto de partida de la inspiración del
artista. El arte abstracto rechaza la representación de
las apariencias de la naturaleza y la sustituye por
líneas, formas y colores. A veces, utiliza también
otros materiales, como fragmentos de objetos naturales es propio
y colocados en nueva dimensión, en la que pierden sus
características objetivas y utilitarias para convertirse
en meras referencias plásticas, en objetos
esféricos.
El ruso Wassili Kandinsky (1866 – 1944)
descubrió las posibilidades de la abstracción
al comprobar casualmente el interés plástico que presentaba una pintura
vista al revés, lo que lo llevó a realizar la
primera obra abstracta. Sus obras son de líneas
temblorosas y espontáneas, hechas de manchas
instantáneas. Desde los años veinte, su obra
fue evolucionando hacia el geometrismo y la sobriedad en el
color. Sus obras posteriores vitalizan el color y conceden
a sus formas geométricas una absoluta
significación antiestética.- Informal
Un movimiento artístico y revista fundada
en Holanda en 1917 . Los objetivos del movimiento
eranprofundamente filosóficos y reflejan el
misterio y orden del universo. Proponía despojar al arte
de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la
esencia a través de un lenguaje
plástico objetivo y, como consecuencia,
universal.Una de las escuelas más innovadoras de la
pintura del siglo XX es la que descarta cualquier para
realzar la tendencia a la abstracción
geométrica, en un intento de llevar al Cubismo a sus
últimas consecuencias, convirtiendo la superficie
del lienzo en una construcción abstracta hecha en
líneas y planos horizontales y
verticales.El iniciador de esta concepción del arte
fue el holandés Piet Mondrian, quien, conjuntamente
con su compatriota Theo Van Doesburg, creó un nuevo
movimiento pictórico,
"De Stijl",
también llamado Neoplasticismo, que busca un
lenguaje formal hecho a base de líneas rectas y
formas geométricas donde el orden y la pureza
sustituyan a la oscuridad y al caos. Es decir que aquella
arte debería esforzarse hacia la armonía
completa, el orden, y la claridad en un proceso constante
de refinamiento. Esto ha sido compuesto de los elementos
más simples : directamente raya y colores primarios
puros.Las teorías de Mondrian, que tienen su
origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y
en la teosofía, reivindican un proceso de
abstracción progresiva en virtud del cual las formas
se irían reduciendo a líneas rectas
horizontales y verticales, y los colores al negro, el
blanco, el gris y los tres primarios. El excesivo rigor de
las propuestas de Mondrian provocó violentas
críticas tanto dentro como fuera de su
círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo
está considerado, junto con el suprematismo de
Maliévich, el origen de la abstracción
geométrica.Parecidas características tienen los
movimientos pictóricos rusos del Suprematismo
y el Constructivimo.El fin del movimiento se da en 1931 después
de la muerte
de Theo Van Doesburg, pero siguió influyendo
profundamente sobre la arquitectura y las artes aplicadas
en Europa.Entre sus principales representantes se
encontraban, además de Van Doesburg, el pintor
Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y
los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas
Rietvel, entre otros. - Neoplastisismo
- Constructivismo
El Constructivismo
es un movimiento artístico abstracto que fue fundado por
los hermanos Antoine Pevsner y Naum Gabo en Rusia en 1913.
Se desarrolló durante el período inmediatamente
posterior a la Gran Revolución de 1917 y fueron abortados
con la implantación oficial del Realismo
socialista, al igual que el suprematismo.
El Constructivismo barrió con las nociones
tradicionales sobre arte, creyendo que debía imitar las
formas y procesos de la
tecnología
moderna. Estos principios eran aplicados dentro de un formato de
dos dimensiones.
Aunque el constructivismo "puro" fue muy común en
Rusia, en la época de la revolución, sus ideales y
propósitos han sido usados por artistas durante el siglo
XX.
18.4 Suprematismo
El Suprematismo fue creado por Casimir Melevitch, cuya
primera obra suprematista es suficientemente elocuente de este
estilo: consiste en un simple en un simple cuadrado negro sobre
un lienzo blanco.
Es un movimiento en la pintura americana que se
desarrolló en Nueva York alrededor de 1940. La
mayoría de los artistas del expresionismo abstracto
eran pintores energéticos. Los pintores del
expresionismo abstracto intentaron representar las emociones
básicas mediante la pintura abstracta. Para ello
utilizaron colores vivos, formas atrevidas y métodos de trabajo espontáneos.
Ellos sin duda utilizaban largos lienzos, en los cuales
aplicaban rápidamente y con fuerza la pintura, en
algunas ocasiones usando grandes brochas, en otras con la
técnica del goteo o dripping (chorreado de pintura
sobre la tela puesta en el suelo) e inclusive tirando la
pintura directamente al lienzo. Este método expresivo de pintura era
usualmente considerado tan importante como la pintura en
sí misma. Otros pintores del expresionismo abstracto
se preocuparon en adoptar un acercamiento pacífico y
místico a la imagen puramente abstracta. No todo el
trabajo que se realizó en este movimiento fue
abstracto o expresivo, pero lo que generalmente se
creía era que la espontaneidad de los artistas los
aproximaba a su trabajo, del cual podían sacar desde
la libertad, la creatividad del inconciente de sus
mentes.Entre sus mejores exponentes destacaron Mark Rothko,
Willem de Kooning, Franz Kline y Jackson PollockExpresionismo
AbstractoLas irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a
despejar el camino para un renacimiento de la pintura
realista. Los realistas que se destacaron en las
décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que
habían asumido algunos de los conceptos
estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se
basaba en la fotografía para conseguir un tipo de
pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en
los meticulosos paisajes urbanos de Richard Estes. Los
desnudos rigurosamente estructurados de Philip Pearlstein y
las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud
conferían también al realismo un tono
frío y abstracto. Mientras tanto, en América
Latina empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano
Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas
pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo
un contenido político.
NeorrealismoEl Pop-art es una alternativa a la crisis de
la abstracción informal surgida en Gran Bretaña
en la década de 1950 con Richard Hamilton y continuada
en Estados
Unidos.Las imágenes del Pop Art (abreviatura de
Popular Art, ‘arte popular’) se inspiraron en la
cultura de masas. Tomó su inspiración de las
imágenes de la cultura de pequeña
explosión y sociedad de consumo.
Las historietas, anuncios y objetos fabricados en serie todo
jugado una parte en este movimiento, que ha sido
caracterizado como popular, transitorio, prescindible,
precio
bajo, fabricadas en serie, jóven, ingenioso,
atractivo, encantador y grande.Los principales rasgos del Pop Art:
descontextualización, incongruencia,
provocación y buen humor. El Pop Art es figurativo,
como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el
artista inglés Richard Hamilton.Asumiendo el objetivo del compositor estadounidense
John Milton Cage —eliminar las distancias entre arte y
vida— los artistas Pop se aproximaron con ironía
al ambiente
de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que
reflejaban el materialismo
y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir
una percepción crítica de la realidad,
más inmediata que aquella ofrecida por la pintura
realista del siglo XIX.Los antecedentes históricos del Pop Art se
sitúan en la obra provocativa de los artistas
dadaístas, especialmente del francés Marcel
Duchamp, y en la tradición pictórica
estadounidense caracterizada por el empleo del trampantojo en
las representaciones de objetos cotidianos.El movimiento Pop Art comenzó como una
reacción contra el expresionismo abstracto, que
dominó el arte durante las décadas de 1940 y
1950, al que estos los artistas consideraban demasiado
intelectual y apartado de la realidad social.Los escombros de materia a menudo son acentuados por
técnicas hardedged parecidas a una fotografía
en la pintura y la atención diminuta para detallar en
la escultura. El fotomontaje, el bricolage y la
reunión es así muy común en el "Arte de
Pequeña explosión". Algunos artistas
reprodujeron latas de cerveza o
sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros
objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas.
Otros incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o
esculturas, a veces completamente modificados.Los materiales fruto de la tecnología
moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura
acrílica, ocuparon un lugar destacado.El Pop Art no sólo influyó en la obra
de los artistas posteriores, sino que también
ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda. Por
otra parte, varios integrantes de la corriente Pop se
habían ganado la vida trabajando como artistas
publicitarios.Además de emplear las imágenes de la
cultura de masas, el Pop Art se apropió de las
técnicas de la producción masiva. A principios
de 1960, el estadounidense Andy Warhol llevó esta idea
un poco más lejos al adoptar la técnica de la
serigrafía, capaz de imprimir cientos
de estampas idénticas de botellas de Coca Cola, latas
de sopa Campbell y otros objetos representativos de la
cultura consumista.Pop
ArtOp
Art
El Op Art se puede definir como un movimiento en el arte
abstracta que se desarrolló en la decada de los
60’s.
El promotor de este movimiento fue Victor
Vasarely.
El Op Art (nombre corto para "arte óptico")
explota la faliabilidad del ojo humano. El artista juega juegos con el
espectador creando las imágenes que aparecen brillar y
pulsar.
Aunque la obra de arte en si misma es estática,
las formas y colores causan una ilusión óptica de
movimiento.
CONCLUSIONES
1.- Los fundamentos necesarios que nos permiten definir
la pintura son la conciencia que el
artista tiene de su obra, y la conciencia complementaria que de
la obra de arte tiene el contemplador ajeno a la labor
creadora.
2.- La pintura está ligada indisolublemente a las
necesidades extraartísticas de la sociedad en cada
momento.
3.- En los tiempos prehistóricos la pintura no
fue un arte propiamente dicho. Es decir que no tuvo un
afán estético de expresión, sino mas bien,
era un medio "mágico"para propiciar la caza. Podemos
afirmar esto, ya que las pinturas prehistóricas
representan animales, o figuras humanas en actitudes que pueden
ser directamente relacionadas con la necesidad vital de dar
muerte al animal enemigo y nutricio.
4.- Para los egipcios, la pintura era una manera de
perpetuar los hechos de los muertos. Por lo tanto se puede
definir que la pintura egipcia funcionó como un arte
funerario.
5.- La pintura en Grecia, es un elemento decorativo y
secundario.
6.- Roma, es continuadora de Grecia, y por su pintura es
posible adivinar el desarrollo logrado por los
griegos.
7.- Durante el románico, es la miniatura la que
conserva vigorosamente las esencias pictóricas.
8.- Durante el gótico, la pintura está
todavía mediatizada por la arquitectura. La miniatura
alcanza magníficas realizaciones.
9.- Durante el período románico y
gótico, el arte del color se acrecienta
considerablemente.
10.- El renacimiento significa para la pintura la
integración total.
11.- El renacimiento es la época en que se
ensayan nuevos colores, se alcanza la suprema sabiduría en
el dibujo y en el color, brotan los escorzos, y perspectivas
más atrevidas, se dignifica el desnudo, se humanizan las
figuras de Dios y de los santos, y la naturaleza es colocada en
primer plano, como enseñanza y goce supremos.
12.- En la época del renacimiento se definen y
estructuran los elementos pictóricos tradicionales: la
línea a través del dibujo, la composición;
las leyes del color,
los tonos afines, opuestos y complementarios, el valor de la luz,
el vigor del claroscuro y la expresividad de las tonalidades
medias y de las gradaciones; la importancia de los fondos; se
establece la separación de los géneros, nacen el
paisaje y el retrato en su sentido moderno.
13.- La eclosión impresionista francesa
abrió nuevos rumbos, una nueva inquietud que
multiplicó las posibilidades inacabadas del arte: el
expresionismo, cubismo, abstraccionismo,…
BIBLIOGRAFÍA
OCÉANO. Enciclopedia Autodidáctica
Océano. Madrid
Grupo Editorial Océano, 1990. 2240 p.
PHADION PRESS LIMITED. The Art Book.
Editorial Phaidon, 1994.
ENCICLOPEDIA ENCARTA
LEXIPEDIA BRITANNICA
DICCIONARIO ENCICLOPÉDICO UTEHA
Editorial Hispano Americana, 1953
PAGINAS WEB:
http://www.artehistoria.com/frames.htm?http://www.artehistoria.com/genios/escuelas/72.htm
Dalith Colordo Prutsky
Ana María Picasso
Vanesa Vargas
Trabajo para el curso de
Fundamentos de la comunicación
Página anterior | Volver al principio del trabajo | Página siguiente |